Querida Mamãe, de Jeremias Moreira Filho

Escrito por Maria Adelaide Amaral, “Querida Mamãe” vem recebendo encarnações nos palcos desde 1994. Na primeira delas, Eva Wilma e Eliane Giardini interpretaram mãe e filha enfrentando crises que arrastaram para o teatro 250 mil espectadores. Mais de 20 anos depois, surge finalmente uma versão para o cinema, agora com Selma Egrei e Letícia Sabatella em um texto levemente readequado para servir ao nosso contexto atual.

Dona de casa, Ruth é uma senhora reservada com os seus discos e tricô. A única companhia que costuma desfrutar é a de sua empregada, Cleusa (Graça Andrade). Vez ou outra, recebe a visita de sua filha Helô, mas o clima é sempre tempestuoso. Fruto de uma relação passada mal resolvida, com Helô acreditando que sempre fora preterida diante da irmã mais nova, Beth (Fernanda Viacava), que agora vive no exterior.

Os laços voltam a ficar estreitos quando Helô começa a dar um basta na vida sem graça em que se vê aprisionada por tantos anos. Além de ser médica, profissão que exige dedicação total à uma escala alternativa de trabalho, ela percebe que o seu casamento com o publicitário Sérgio (Marat Descartes) já deu o que tinha de dar. Por tudo isso, acaba respondendo de imediato às investidas de uma de suas pacientes, a pintora Leda (Cláudia Missura).

A grande virtude do texto segue intacta no filme. Trata-se da redescoberta de uma sexualidade perdida, abafada, que volta a aflorar e a trazer consequências específicas para uma mulher acima dos 40 anos com a família estabelecida. Afinal, como se reapresentar para a mãe, o marido e a filha Priscila (Bruna Carvalho) e ainda ser recepcionada por uma sociedade avessa aos relacionamentos homoafetivos?

Porém, excetuando esse aspecto preservado na adaptação da roteirista Jaqueline Vargas e das interpretações corretas das protagonistas, o realizador Jeremias Moreira Filho não justifica a existência de “Querida Mamãe” como cinema. Responsável tanto pela versão original quanto pelo remake de “O Menino da Porteira”, o veterano mais parece fazer um telefilme global, evidente pelo modo como preenche o plano ou mesmo pelo uso desesperado da trilha sonora de Marcos Levy, que se manifesta a cada cena sem qualquer sutileza como recurso para camuflar cenas dramáticas mal dirigidas.

Film Stars Don’t Die in Liverpool, de Paul McGuigan

O cinéfilo não muito antenado com a era de ouro hollywoodiana correrá o risco de embarcar em “Estrelas do Cinema Nunca Morrem” sem reconhecer a atriz interpretada por Annette Bening, a oscarizada Gloria Grahame. Sem peso na consciência, pois uma das estrelas de “Assim Estava Escrito” (e também indicada ao Oscar de coadjuvante anteriormente por “Rancor”) foi uma das vítimas que confirmaram a máxima de que raramente uma atriz poderia visualizar uma carreira acima dos 40 anos.

Nos últimos anos de sua vida, Gloria Grahame se notabilizou muito mais pelos romances do que necessariamente por seus feitos como artista, priorizando o teatro enquanto amargava papéis secundários de baixa expressividade no cinema. Foi nesse período em sua vida, quando já tinha passado dos 50 anos, que Gloria se relacionou seriamente com Peter Turner (Jamie Bell), aspirante a ator de 28 anos que conheceu durante a encenação de um de seus modestos espetáculos em Liverpool.

O peso de Gloria ter se divorciado quatro vezes (entre os ex, estavam Anthony Ray e o filho deste, Nicholas Ray, o que rendeu um verdadeiro alvoroço nos tabloides à época) e o fato de pertencerem a contextos muito diferentes não impediram que a paixão que nutriam um pelo outro prosperasse por um tempo. Mesmo na ruptura, seguiram juntos até o final a partir do instante em que a saúde de Gloria ficou debilitada por um câncer que contraiu.

Realizador de “Xeque-Mate”, “Heróis” e “Victor Frankenstein”, o britânico de 54 anos Paul McGuigan definitivamente não soa como a escolha mais acertada para a condução de “Estrelas do Cinema Nunca Morrem”. Para surpresa geral, impressiona a forma singela como direciona uma história que prioriza mais a atração por dois opostos do que qualquer outro aspecto no entorno deles, como as (des)ilusões do mundo do cinema.

Assim, permitiu mais território para os seus protagonistas brilharem. Annette Bening já havia experimentado em “Os Imorais”, o filme que a revelou ao mundo, alguns tiques de Gloria Grahame, como a sua voz doce tremendamente complicada de imitar. Já Jamie Bell, bem como o próprio Peter Turner, não corresponde ao protótipo de astro de cinema, sendo absolutamente charmoso justamente por se distanciar de um padrão ainda estabelecido de galã. Formam um casal irresistível de um filme que acerta por não ambicionar mais do que tem a oferecer.

Le parc, de Damien Manivel

.:: INDIE 2017 Festival Cinema ::.

Já conhecido no Brasil pelo seu debute na direção em longa-metragem em 2014 por “Um Jovem Poeta”, o cineasta francês Damien Manivel segue à risca a cartilha que se estabeleceu na produção independente a partir da “democratização” permitida pelo digital. Breve, o seu registro tem duração de apenas 71 minutos, é totalmente ambientado em um único cenário e o seu elenco é composto por três intérpretes não-profissionais.

Na primeira metade de “O Parque”, vemos o desabrochar da paixão entre Naomie (Naomie Vogt-Roby) e Maxine (Maxime Bachellerie), dois adolescentes em que testemunhamos ao curso de um dia caminhando pelo gramado como qualquer outro jovem casal curtindo um momento junto. Já à sombra das árvores, investem em uma troca de carícias mais ousada.

De forma calculada, Manivel vai registrando inúmeros comportamentos entre Naomie e Maxine, da timidez à entrega, da afetuosidade ao atrito. Com o anoitecer, o contexto fica mais obscuro, materializando na presença de um terceiro personagem, um zelador vivido por Sessouma Sobere, um tom de ameaça bem característico de um filme de horror.

O resultado, no entanto, soa mais como um exercício de experimentalismo digno de um novato, como se testasse as possibilidades do suporte que tem em mãos ao passo em que negligencia os fatores humanos de sua obra. Afinal, Manivel parece muito mais deslumbrado com o domínio na encenação para prolongar planos que mais se comportam como períodos isolados do que em extrair de seu elenco uma naturalidade que o distancie da impressão de ser um trio de fantoches com passos ditados por um roteiro que soa apenas como um mero detalhe para o projeto.

A Cidade do Futuro, de Cláudio Marques e Marília Hughes

Parceiros no cinema e na vida real, o casal Cláudio Marques e Marília Hughes somava sete curtas-metragens produzidos antes de debutar no formato de longa-metragem com “Depois da Chuva”, drama inspirado pela juventude que testemunhou o fim da ditadura militar que manteve em seu lançamento em circuito comercial os bons elogios obtidos em sua première no Festival de Brasília em 2013. Chegando com dois anos de atraso após passagem por inúmeros festivais, “A Cidade do Futuro” soava como um passo seguinte muito promissor.

Em um jovem século que vem problematizando a eficiência dos relacionamentos tradicionais para abrir portas para novas possibilidades de amor (termos como relacionamento aberto e poliamor têm sido recorrentes no vocabulário da atual geração), seduz a proposta de Marques e Hughes em expôr algumas das consequências de quem está disposto a abrir mão das convenções nos pequenos municípios regidos por valores antiquados. No caso de “A Cidade do Futuro”, é Serra do Ramalho o cenário principal.

O município baiano com um pouco mais de 30 mil habitantes abriga o trio protagonista da história: Gilmar (Gilmar Araújo), Igor (Igor Santos) e Mila (Mila Suzarte). Gilmar e Igor sustentam em becos um namoro que, mesmo secreto, já conta com algumas testemunhas indesejáveis. O que era só observado passa a ser verbalizado pelas pessoas ao redor quando Mila, que teve relações sexuais com Gilmar, anuncia estar grávida.

Professor, Gilmar começa a ouvir comentários de alunos. Também professora e sem rumo quanto a sua situação, Mila, como seria com qualquer outra mulher em nosso país machista, é o alvo fácil dos insultos. Já Igor, vaqueiro que passa a se virar com um sem número de bicos, é quem sofre as ameaças físicas de homofóbicos que o perseguem.

O bom argumento, entretanto, está longe de resultar em um filme sequer razoável. Breve em sua duração, “A Cidade do Futuro” está interessado apenas em diagnosticar as tensões que povoam um ambiente extremamente conservador e como os jovens às vezes tentam não se tornar reprises de seus pais e avós. A questão é que não há qualquer pico dramático, consequência da escolha por um elenco de não-profissionais.

Está cada vez mais comum em nossa cinematografia a atração por enveredar por tal opção, tanto para conceber híbridos entre ficção e documentário quanto para buscar por uma verdade pretendida por um elenco não contaminado por técnicas de interpretação. Aqui, Gilmar, Igor e Mila arruínam “A Cidade do Futuro”, com desempenhos engessados que não mostram qualquer entrosamento com a câmera, com quem contracenam, com os espaços que circulam e, principalmente, com os corpos que tocam.

Ex-Pajé, de Luiz Bolognesi

Lançado comercialmente em 2017, o documentário “Martírio” exibiu uma pesquisa desoladora da parte de seu realizador Vincent Carelli, que por anos acompanhou o encolhimento de uma comunidade indígena a partir do avanço do agronegócio. Já Luiz Bolognesi, que recentemente assinou os roteiros das ficções “Bingo: O Rei das Manhãs” e “Como Nossos Pais“, evidencia em “Ex-Pajé” uma fenômeno sutil, mas igualmente cruel para o extermínio da cultura indígena no Brasil.

Mais precisamente, o etnocídio, usando no letreiro inicial de seu documentário as palavras do antropólogo Pierre Clastres: “enquanto o genocídio assassina os povos em seu corpo, o etnocídio os mata em seu espírito”. Pois é o que aconteceu com a figura de interesse central do registro, Perpera, hoje, como o título entrega, um ex-pajé.

Bolognesi a princípio o acompanha como se Perpera estivesse integrado à nossa sociedade, flagrando-o da ida às compras em um supermercado até o retorno em uma aldeia com uma nova geração de índios já familiarizada com os recursos tecnológicos, incluindo meninos viciados em jogos eletrônicos adaptados para smartphones. Muito distante da figura jovem de poderoso pajé, esta transformada com a intromissão da crença evangélica que determinou o conhecimento de Perpera e o seu contato com a natureza como profanos.

Laureado com uma menção honrosa na última edição do Festival de Berlim e premiado no 23º É Tudo Verdade, “Ex-Pajé” é uma nova adição a este núcleo de cinema documental e de ficção com engajamento social em seu foco em uma comunidade que se desintegra com velocidade, deixando importante contribuição na denúncia no domínio de brancos sobre índios. Como cinema, fica devendo com a frouxidão narrativa e um olhar de observador nem sempre astuto, ainda que por vezes camuflado por uma bela composição de planos.

Rogério Duarte, O Tropikaoslista, de José Walter Lima

Foi quando já tinha em 2016 o material coletado para “Rogério Duarte, O Tropikaoslista” que o cineasta José Walter Lima (de “Antônio Conselheiro: O Taumaturgo dos Sertões”) recebeu a notícia de o seu alvo de pesquisa e amigo de longa data morreu de câncer em Brasília e sem ter a oportunidade de ver pronto o documentário sobre a sua trajetória artística e pessoal. Dois anos após essa perda, a obra vem para preencher um espaço de homenagem ou mesmo de interesse para os seus fãs e aficionados pelo legado deixado no movimento tropicalista.

Como muitos de sua época e campo artístico, Rogério Duarte se desdobrou em um sem número de ocupações. Além de um artista gráfico até hoje referenciado e definitivo para a efetivação de uma vanguarda, foi também músico, compositor, poeta, professor e tradutor. Também colaborou com grandes nomes, como Gilberto Gil e Caetano Veloso, dois colegas com aparições no documentário.

Porém, é a sua amizade com o cineasta Glauber Rocha que surge como a primeira pauta em debate em “Rogério Duarte, O Tropikaoslista”, para quem criou os emblemáticos cartazes de “Deus e o Diabo na Terra do Sol” e “Idade da Terra”, hoje itens de culto entre cinéfilos de todo o mundo. Já os seus posicionamentos políticos, aliado ao seu império criativo, custou-lhe caro em um contexto opressor, sendo preso e torturado por militares em meados de 1960.

Mesmo com a inestimável presença do próprio Rogério Duarte compartilhando uma série de histórias – despertando inclusive um fascínio extra do espectador pela sua caracterização bem particular, usando boinas, chapéus e bonés alinhados para cobrir o seu olho direito, danificado por um acidente -, a produção se perde neste mar atualmente intenso de registros nacionais a cobrir o tropicalismo. Há também uma desorganização narrativa, fruto de depoimentos filmados em momentos diferentes com evidente desequilíbrio na qualidade de captação sonora.