Diretor de vários curtas, Ben Leonberg faz a sua estreia em longa finalmente matando aquela curiosidade somente sugerida em filmes de terror: teriam os cachorros o dom de identificar a manifestação do sobrenatural?

Quando testemunhamos esse fenômeno, ele geralmente marca a transição de um prólogo pacífico para algo que começa a ficar efetivamente perturbador quando um cão late para as sombras. Quando vamos um pouco além disso, ou o bicho de estimação sai de circulação ao ser ferido ou vira objeto do ridículo, a exemplo daquele que tem flashbacks em “Quadrilha de Sádicos 2”.

Com muita paciência e pouco dinheiro do bolso, Ben Leonberg faz de “Bom Menino” uma obra bastante efetiva, indo além do mero “filme gimmick” ou da sensação de que esticou as coisas por sempre fazer bom uso de Indy, uma variação de Retriever sem treino como “ator” e do qual é tutor.

Excetuando a direção de arte, que não é capaz de criar um ambiente que realmente soe assombrado e gerenciado por um protagonista humano em estado de saúde crítico – é tudo organizado demais para representar uma situação tão deprimente -, “Bom Menino” usa muito bem as ferramentas que tem em mãos, sendo elaborado no respeito à perspectiva canina e numa montagem que segura o ritmo do filme e enaltece a magnética presença de Indy.

No entanto, o que há de melhor aqui é como a história consegue virar um pouco o jogo. Em “filmes de cachorrinho”, a gente quase sempre vai se deparar com a finitude do animal e o propósito que cumpriu na vida de uma família. Aqui, a fidelidade que Indy demonstra para o seu tutor da ficção é colocada à prova de outra forma, dando um contorno dramático bastante inesperado e que eleva “Bom Menino” inclusive para quem se frustrar com as expectativas de medo geradas antes de assistir a esse experimento.

★★★
Direção de Ben Leonberg
Em breve nos cinemas (Paris Filmes)

Hoje uma das vozes mais independentes e autorais do cinema americano, a diretora Kelly Reichardt segue persistente em suas convicções com a construção de narrativas que desconstroem entendimentos heroicos que seus conterrâneos têm sobre determinados gêneros.

Os animais em filmes como “Wendy e Lucy” e “First Cow” estão ali mais para representar necessidades primitivas do que estabelecer vínculos graciosos com humanos e não há uma obra mais anti-western do que “O Atalho”.

Agora com “The Mastermind”, o espectador testemunhará aquela que é a pior encenação de um roubo já visto no cinema, onde o protagonista interpretado por Josh O’Connor arquiteta com dois capangas a invasão em um museu à plena luz do dia para sequestrar as pinturas de um mesmo artista.

O que de diferente rola em “The Mastermind” é que a obstinação de Reichardt em promover esse cinema minimalista, onde verdadeiras emoções humanas brotam da banalidade, atinge um ponto de exaustão aqui. A partir do segundo ato, passaremos a acompanhar um homem cada vez mais abandonado por familiares e amigos diante da escolha que fez, nada de muito gratificante comunicando sobre essa solidão que o invade a partir do momento que passa a viver como um nômade convicto de que reverterá tudo ao seu favor.

É uma pena que o filme menor de Reichardt chegue justamente no momento em que muitos podem encará-lo como o seu projeto mais acessível. Este é apenas o seu segundo filme a ganhar exibição comercial no Brasil (o primeiro em um contexto fora da pandemia) e, infelizmente, muitos espectadores não se sentirão motivados a explorar o seu belo cinema depois da experiência enfadonha que é “The Mastermind”.

★★
Direção de Kelly Reichardt
Em exibição nos cinemas (MUBI Brasil e Imagem Filmes)

Em 2019, o diretor Mike Flanagan conseguiu o que parecia impossível ao adaptar “Doutor Sono”, onde foi fiel até determinado ponto ao texto literário para depois traçar um caminho inédito em busca da conciliação entre o filme “O Iluminado” e o seu autor, Stephen King.

Cinco anos depois, o retorno dessa parceria, que agora se dá com a transposição para cinema de um conto não tão popular de King, vem para reforçar algo que tínhamos esquecido: ainda que seja um mestre da literatura de horror, o escritor tem também em seu arsenal histórias agridoces e existenciais.

Ainda que grande parte das interações entre os personagens de “A Vida de Chuck” sejam pautadas por matemática, Carl Sagan e o desejo de acessar segredos ocultos, eis aqui um filme em que a escolha por uma explicação mais racional ou mesmo fantástica do que aqui acontece cabe efetivamente para o espectador, que ao seu modo dará o significado que deseja a essa narrativa em três atos iniciados ao contrário.*

É mais um belo trabalho do diretor, que felizmente tem aqui a oportunidade de se desvincular temporariamente do gênero que está confinado – o terror – para pensar com diferentes tons e cores sobre a condição humana tanto em um mundo (ou deus em forma humana?) em pane quanto inebriado pela doçura da vida em sua juventude, ainda que esta esteja com o luto sempre à espreita.

*A ordem inversa da narrativa, sustentada com maestria por Mike Flanagan (que também monta o seu filme), de certo modo me fez pensar como funciona perfeitamente como uma oposição justamente às escolhas que mais subtraem do que somam no também recente “A Hora do Mal”, onde, para mim, Zach Cregger teve a péssima escolha de pautar a evolução de seu roteiro a partir de capítulos baseados em seus personagens principais e secundários. Dois filmes muito bons para se pensar o cinema partindo de um pensamento sobre organização pouco tradicional de histórias.

★★★★
Direção de Mike Flanagan
Em exibição nos cinemas (Diamond Films Brasil)

Assim como rolou na nova trilogia “Halloween”, Jamie Lee Curtis outra vez volta para um grande sucesso em sua carreira, “Sexta-feira Muito Louca”, um filme que parece que foi feito totalmente para ela ainda que a atriz tenha sido chamada no último minuto do segundo tempo (Annette Bening desistiu do projeto e Jamie teve menos de uma semana para se preparar antes de pisar no set).

Ao contrário das tralhas feitas pelo David Gordon Green, cuja duologia se transformou em três filmes apenas para arrecadar uma grana extra, essa sequência de “Sexta-feira Muito Louca” ressurge realmente com reações nobres, onde Jamie escolheu dar tempo ao tempo para Lindsay Lohan se reencontrar na vida e ter a maturidade o suficiente para interpretar uma mãe solteira.

O fato de existir um coração pulsando aqui, de um tipo que se sensibiliza com o quarteto feminino e seus diferentes dramas internos (a idosa com medo da solidão, a jovem em dilemas profissionais e amorosos, a adolescente 1 em luto e a adolescente 2 irritada por decisões que não a contemplam diante de uma nova configuração familiar) é muito importante, pois “Uma Sexta Feira Mais Louca Ainda” empalidece demais quando lembramos do ótimo filme original, que era um remake de uma obra que popularizaria para o mundo a surrada premissa da troca de corpos.

Infelizmente, a diretora Nisha Ganatra não tem o mesmo sarcasmo e ousadia do Mark Waters em extrair o maior potencial cômico das cenas, inclusive nos custando bastante tempo para conseguir fazer o seu elenco virar a chave que o faz compreender que devem assumir personalidades diferentes em seus novos corpos. Jamie Lee Curtis é sempre perfeita, Lindsay Lohan se entende melhor na segunda metade da história e Julia Butters e Sophia Hammons poderiam não existir.

O curioso é que esses descompassos são muito bem camuflados em algo que eu não testemunha há um bom tempo em uma comédia: figuras secundárias super passageiras que realmente roubam a cena.

Além de estar mais gostoso do que nunca, Chad Michael Murray volta muito bem como o ex-namorado da Lindsay Lohan. E amei a diretora da X Mayo, a feiticeira charlatã da Vanessa Bayer e, principalmente, a agente do Serviço de Cidadania e Imigração dos Estados Unidos interpretada por Santina Muha.

★★★
Direção de Nisha Ganatra
Em exibição nos cinemas (Walt Disney Studios)

Aquisição da A24 que se tornou um dos seus principais sucessos comerciais, “Fale Comigo” se destacou dentro da boa safra de terror atual sobretudo pela forma bastante original como a dupla Philippou desenhou o seu núcleo jovem de personagens, priorizando aquele recorte australiano meio gente como a gente que se desvincula de registros americanos com os quais estamos mais habituados.

Outra vez, isso é repetido em “Faça Ela Voltar”, aqui condensando as atenções entre dois meio-irmãos, a Piper (Mischa Heywood), que tem deficiência visual, e Andy (Billy Barratt), que carrega o peso de se responsabilizar por toda uma família quando sequer atingiu a maioridade. Antes de mais nada, é um filme que estabelece uma dinâmica muito bonita entre essa dupla e que felizmente se furta de criar um espetáculo totalmente voltado á condição especial de uma de suas protagonistas/atrizes.

Mais adiante disso, no entanto, parece claro que “Faça Ela Voltar” seja mais a aposta dobrada em uma fórmula testada e aprovada anteriormente do que efetivamente um passo seguinte na carreira dos Philippou, que outra vez voltam a versar sobre relações familiares e o luto como uma dor insustentável que encontra conforto nas falsas promessas do sobrenatural.

Não há problema algum em ir pelo caminho seguro, sobretudo se ele renderá uma experiência positiva ao fim, mas bem que alguns aspectos poderiam ser melhor lapidados aqui, como a sutileza em reabordar os temas citados. 

E nem falo sobre a violência brutal, por vezes bem gráfica, de algumas tomadas, que causam um desconforto efetivo que poucos se arriscam em encenar. Mas sim a respeito desses tons exacerbados que nos fazem telegrafar as coisas a quilômetros de distância delas se efetivarem. 

É um filme que a gente já sabe como se construirá nos primeiros segundos em que batemos os olhos nas expressões de desequilíbrio de Sally Hawkins e em seu lar cheio de lodos de um passado recente que essa mulher falsamente bem-intencionada quer trazer de volta a qualquer custo.

★★★
Direção de Danny Philippou e Michael Philippou
Em exibição nos cinemas (Sony Pictures)