The Green Fog, de Evan Johnson, Galen Johnson e Guy Maddin

.:: 42ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo ::.

A ponte Golden Gate talvez seja o maior cartão-postal de São Francisco e foi explorada exaustivamente pelo cinema. Mas há toda uma atmosfera particular nos demais ambientes da cidade californiana, que tão bem abraça especialmente as tramas policiais e de mistério.

O diretor de 62 anos Guy Maddin sempre filmou no Canadá, mas claramente tem uma relação de amor com São Francisco justamente na posição de espectador de cinema. Em “A Névoa Verde”, ele soma esforços com Evan e Galen Johnson para outra de suas realizações experimentais, aqui prestando tributo ao município que hoje conta com quase 900 mil habitantes.

No entanto, a homenagem foi pensada tendo outro elemento como ponto de partida: “Um Corpo que Cai”, de Alfred Hitchcock. Além de extrair um trecho desse clássico de 1958, Maddin e os Johnson pensaram em imagens de forte impacto do suspense para reprisá-las com o uso de quase 100 filmes e atrações televisivas que também se passam em São Francisco.

Ainda que ambientados em um mesmo cenário, as obras com trechos selecionados não poderiam destoar mais entre si. Entre elas, há “007: Na Mira dos Assassinos”, “A Conversação”, “A Dama de Vermelho”, “A Rocha”, “Alta Ansiedade”, “Instinto Selvagem”, “Jade”, “Jornada nas Estrelas IV: A Volta para Casa”, “Mudança de Hábito 1 & 2”, “Perseguidor Implacável”, “Precipícios d’Alma”, “Se Meu Fusca Falasse…”, “Sem Sol”, entre outras.

Com um senso de humor reconhecível em sua filmografia, Maddin costura algo que às vezes causa o riso por conta de algumas escolhas engraçadinhas em sua montagem, como a de limar os diálogos. Há também intervenções no material original. Na mais hilária delas, Rock Hudson e Susan Saint James contracenam juntos em uma cena do seriado setentista “McMillan & Wife” com uma tevê transmitindo um clipe da boy band “‘N Sync”.

Por parecer mais uma colagem do que necessariamente a (re)construção de todo um filme, o resultado pode soar cansativo em alguns momentos. Felizmente, Maddin ao menos está em sua versão mais branda, com uma metragem que totaliza um pouco mais de uma hora. Além do mais, vale a pena dar essa única chance de assistir “A Névoa Verde” na tela grande. Com evidente violação de direitos autorais, certamente não passaria no circuito comercial.

Dzikie róze, de Anna Jadowska

.:: 42ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo ::.

A Polônia é um país tomado pelas temperaturas mais extremas em sua mudança de estações e costumamos ter um acesso ao registro mais cinza das vidas que a habitam. Em “Rosas Selvagens”, a cineasta Anna Jadowska (que está em seu quinto longa-metragem) propõe um filme tão solar que mesmo o público se sentirá em um clima de casa de campo.

Essa atmosfera radiante não condiz nada com os tormentos internos de Ewa (a expressiva Marta Nieradkiewicz). Após uma longa estadia em um hospital por razões que não são explicitadas, ela regressa ao lar que abandonou temporariamente, tendo deixado os seus dois filhos, Marysia (Natalia Bartnik) e Jas (Dominik Weslig), aos cuidados de sua mãe (Halina Rasiakówna).

O momento de reconexão com as suas crias bate com a volta de seu marido Andrzej (Michal Zurawski), que costuma ficar meses em outros países a trabalho. A reunião é extremamente conflituosa, pois não se sabe o que Ewa estava enfrentando em isolamento, criando uma dessintonia com Andrzej. Sem dizer as intervenções de Marcel (Konrad Skolimowski), um jovem estudante com quem teve algo íntimo em um passado muito recente.

Jadowska também assina o roteiro e a sua pauta central é, evidentemente, a maternidade. Com a velha tradição das tarefas familiares e domésticas sendo relegadas às mulheres, Ewa nos faz questionar essa condição com uma desestabilização emocional que a impede de encontrar um ponto de equilíbrio. É uma mulher que passará por inúmeras provações e que ao final ainda assim revelará uma humanidade que surpreenderá a qualquer um.

José, de Li Cheng

.:: 42ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo ::.

O sexo geralmente é associado a uma troca íntima que se faz com aquele ao qual o amor é correspondido ou a um prazer intenso, mas momentâneo. Para José, o personagem-título do segundo longa-metragem do chinês Li Cheng, o ato está mais condizendo com uma fuga da realidade.

Temos como cenário uma Guatemala periférica e nada atrativa, com uma população que ganha o mínimo para sobreviver. Entre a permanência em casa e no trabalho, José (interpretado pelo estreante Enrique Salanic) recorre aos aplicativos para encontrar parceiros sexuais em segredo, com eles tendo algum êxtase no tempo pré-pago em um motel barato.

Com 19 anos, José esconde a sua orientação, mas tanta discrição vai abrindo portas para alguns deslizes, percebidos por sua mãe (Ana Cecilia Mota), uma senhora superprotetora, dedicada ao lar e ao filho e religiosa. Esse momento se dá quando encontra em Luis (Manolo Herrera) alguém para ir além de uma transa casual.

A Guatemala é um país que produz muito pouco cinema (“José” é um dos três longas de ficção feitos ao longo de 2018) e Li Cheng desenvolve com George F. Roberson um texto que estabelece inúmeras características de identificação mesmo com as barreiras culturais. O sentimento mais forte que fica ao final, entretanto, é a extensão de uma história que talvez estivesse mais confortável como curta-metragem, algo que se confirma com um terceiro ato mais à deriva que José.

Twarz, de Malgorzata Szumowska

.:: 42ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo ::.

Talvez o melhor filme de Malgorzata Szumowska, “Body” evidenciou um grande interesse da cineasta polonesa por uma abordagem excêntrica sobre temas pouco fáceis, como a finitude da vida e o apego por crenças em situações adversas. Ao exibir esse drama com toques de comédia no Festival de Berlim em 2015, dividiu o prêmio de direção com o romeno Raul Jude, de “Aferim!”.

Três anos depois, Szumowska voltou ao festival alemão com “O Rosto”. Trouxe para casa mais um reconhecimento em mãos, sendo o Grande Prêmio do Júri. Já a resposta da crítica não foi tão entusiasmada. Por muitas razões, como se percebe no desenvolvimento de sua narrativa.

O prólogo se prontifica em estabelecer o tom de “O Rosto”. Em uma loja de variedades, há um banner indicando que os consumidores que entrarem seminus serão contemplados com um desconto imperdível. Todos rumam diretamente para o departamento de televisores, o que desencadeia um embate físico daqueles.

O humor é nonsense e será replicado na trajetória do protagonista. Interpretado por Mateusz Kosciukiewicz, Jacek é um jovem bem relacionado na cidadezinha polonesa que habita. Quando não está trabalhando em construções civis, passa o tempo com Dagmara (Malgorzata Gorol), com a família meio disfuncional e a esmo ouvindo rock, principalmente “Metallica”, a sua banda favorita.

A obra da vez é uma estátua de Jesus Cristo erguida para rivalizar com o nosso Cristo Redentor e Jacek sofre um acidente que arruína todo o seu rosto. Mesmo com um transplante, a musculatura segue meio fora do lugar e ele passa a ter muitas dificuldades para dialogar e até mesmo comer.

Chega assim o instante em que Szumowska começa a gerenciar intenções com uma clareza duvidosa. Talvez a principal delas seja avaliar, com certa chacota, as posturas de indivíduos quando um conhecido passa a ser tratado como uma criatura de outro mundo. Estabelece campos de divisão, às vezes desfocando toda a metade do plano intencionalmente.

A única pessoa que segue leal a Jacek é a sua irmã (Agnieszka Podsiadlik). De resto, “O Rosto” ainda tece um comentário sobre a hipocrisia religiosa de um coletivo em que até mesmo o padre se revela adiante um homem com tendências à perversão. No fim das contas, é só tudo muito estranho e até um tanto dispensável.

Jusqu’à la garde, de Xavier Legrand

.:: 41ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo ::.

.:: Festival Varilux de Cinema Francês 2018 ::.

Produzido em 2013, “Avant que de tout perdre” exibia a desestruturação de uma família, na qual uma mulher e seus dois filhos temiam as ações impulsivas do marido e pai. No ano seguinte, essa história recebeu uma indicação ao Oscar e a vitória no César na categoria de Melhor Curta-Metragem de Ficção.

Agora, o diretor e roteirista Xavier Legrand, que outrora tentou seguir a carreira de ator sem sucesso, retoma a situação e os seus dois protagonistas, Léa Drucker e Denis Ménochet, para encorpar o argumento em “Custódia”. A aclamação se repetiu, desta vez com duas vitórias importantes no último Festival de Veneza (inclusive na categoria de Melhor Direção) e o prêmio da crítica na Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, nesta considerado por muitos espectadores como o filme de terror da sua 41ª edição.

Em tempos em que o abuso contra a mulher tem sido uma pauta central de discussão na sociedade, “Custódia” é lançado em um momento oportuno, ainda mais por flagrar o crime dentro do contexto doméstico, talvez o mais ignorado pelas portas que terceiros fecham e trancam como medida para não intervir em crises que acontecem no vizinho na casa do vizinho.

Na realidade, Miriam Besson (papel de Léa Drucker) já tentou dar um basta na situação, efetivando a separação com Antoine (Ménochet). A questão é que, ao contrário da filha mais velha Joséphine (Mathilde Auneveux), Julien (Thomas Gioria) é ainda um pré-adolescente e a justiça de termina que a sua guarda deve ser cedida quinzenalmente ao seu pai.

Como roteirista, é evidente algumas extensões nem sempre bem ajambradas de Xavier Legrand com base em seu curta, como a cerimônia com a qual encena a suspeita de gravidez de Joséphine. Já como diretor, a sua condução é, sem exageros, digna de veterano alçado a gênio.

Isso se dá porque Legrand sabe como sugerir o que se deu ao longo da vida dos Besson, conduzindo um elenco que carrega em olhares e retrações um histórico de violência que dispensa o uso de artificialismos como uma confirmação, a exemplo de flashbacks. Porém, são nas inevitáveis explosões de desequilíbrio que “Custódia” nos torna cúmplices absolutos, culminando em um terceiro ato que se revela um verdadeiro pesadelo imersivo.

Nelyubov, de Andrey Zvyagintsev

.:: 41ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo ::.

Desde “O Retorno” (2003), longa-metragem de estreia laureado com o Leão de Ouro no Festival de Veneza, que o cineasta Andrey Zvyagintsev vem diagnosticando a falência da família como instituição e a constituição de uma sociedade operada a partir de suas divergências sociais e éticas. O melhor é o progresso que demonstrou como realizador autoral, entregando desde “Elena” um drama superior ao anterior.

“Sem Amor” é a sua mais exemplar demonstração de excelência até aqui, em parte reconhecida com o Prêmio do Júri no Festival de Cannes do ano passado e com indicações ao Oscar, Bafta e Globo de Ouro a Melhor Filme Estrangeiro. Não à toa, a sua única exibição na 41ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo rendeu alvoroço entre o público na bilheteria.

Boris (Aleksey Rozin) e Zhenya (Maryana Spivak) estão com o casamento desfeito e já sustentam relacionamentos com outros companheiros, o primeiro com uma mulher a qual engravidou e a segunda, com um homem mais velho e bem-sucedido. Os elos que restaram são o apartamento que habitam e Alyosha (Matvey Novikov), o filho de 12 anos em que estão desinteressados em lutar pela custódia.

Sem deixar vestígios, Alyosha desaparece. A desolação bate para Boris e Zhenya, mas as discussões são muito mais pautadas sobre a culpa que um transfere para o outro pela irresponsabilidade como pais do que necessariamente sobre as pistas que podem ter sido deixadas para trás e que devem contribuir para as buscas.

A frieza é reforçada por uma fotografia de Mikhail Krichman amparada pelo cinza das arquiteturas e do clima invernal permanente. Há também um microcosmo que se desenha e que recebe grandes proporções principalmente com a música de Evgueni Galperine e Sacha Galperine, que nada ficam a dever a Philip Glass, de quem Zvyagintsev se apropriou em oportunidades anteriores.

Com isso, “Sem Amor” vai avaliando um estado de indiferença que parece contaminar uma nação, comentário que explicita principalmente com o modo como os seus personagens seguem com o seu cotidiano sendo alheios às pequenas tragédias ao fundo noticiadas em rádios. Indiferença essa que é inclusive capaz de deletar de todo um contexto uma presença humana indesejada que por um período ali habitou.